Creatividad sin límites: Elenomeleno, ganadora del concurso de Canva, nos demuestra que todos podemos diseñar

Con su proyecto “Ad It If You Canva”, transforma anuncios de marcas famosas para inspirar a quienes creen que el diseño es solo para profesionales

¿Cómo sería un anuncio de Starbucks si lo rediseñaras tú misma? ¿Y uno de NIVEA, Gillette o KitKat? La respuesta está en “Ad It If You Canva”, el proyecto de Elenomeleno que se llevó uno de los premios del concurso de Canva. Esta creativa diseñadora autodidacta nos demuestra que, con imaginación y una buena herramienta, no hace falta ser experto para crear piezas publicitarias impactantes.

A través de seis carteles de seis marcas mundialmente reconocidas, Elenomeleno explora el universo del diseño publicitario utilizando exclusivamente Canva. ¿Su objetivo? Inspirar a otros a experimentar, perder el miedo al diseño y atreverse a contar sus propias historias visuales. En esta entrevista, nos cuenta cómo fue el proceso creativo, qué aprendió durante el concurso y por qué cree que todos podemos ser diseñadores en potencia.

¿Cuál fue el concepto detrás del diseño que presentaste al concurso? ¿Qué historia o idea intentabas transmitir?

El concepto detrás del diseño fue demostrar cómo, con una herramienta tan accesible como Canva, se pueden crear grandes diseños. Quería transmitir que no es necesario tener una larga carrera profesional ni utilizar la aplicación más cara del mercado para ser creativo y lograr tener un impacto en los demás.

¿Qué elementos crees que son esenciales para crear un diseño «profesional» en Canva? (Tipografía, paleta de colores, diseño, etc.)

Para mí, lo esencial al crear un diseño profesional en Canva es definir primero el mensaje o la emoción que se quiere comunicar. A partir de eso, ya paso a elegir la tipografía y la paleta de colores que más se ajusten a la idea.

En cuanto a la tipografía, es clave considerar factores como el estilo (serif, sans serif, script, display), el peso (ligera, regular, bold), y la legibilidad. Por ejemplo, para transmitir alegría o dinamismo, una tipografía con formas redondeadas y fluidas puede ser efectiva. En cambio, para comunicar seriedad o tristeza, es más apropiado utilizar una tipografía con líneas limpias y estructura neutra.

Respecto al color, se deben aplicar principios de teoría del color. Los tonos cálidos (como amarillos, naranjas y rojos suaves) evocan cercanía y entusiasmo, mientras que los tonos fríos (como azules, grises y verdes oscuros) transmiten calma o incluso tristeza. La armonía cromática y el contraste también juegan un papel importante en lograr un diseño visualmente atractivo y coherente.

En resumen, un buen diseño no siempre depende de usar las herramientas más avanzadas, muchas veces también se trata de tomar decisiones que se adapten a lo que quieres comunicar.

Canva ofrece una amplia gama de plantillas y recursos. ¿Cómo logras equilibrar el uso de estos recursos con la originalidad de tu trabajo?

Lo mejor de contar con una amplia variedad de plantillas en Canva es que siempre puedes usarlas como punto de partida para inspirarte. A veces selecciono una plantilla como base conceptual y, a partir de ella, comienzo a personalizar el diseño utilizando los recursos gratuitos que ofrece la plataforma. Modifico la composición, ajusto la tipografía, cambio la paleta de colores y agrego elementos visuales propios para construir una historia completamente diferente.

De esta forma, puedo encontrar el equilibrar entre el uso de recursos prediseñados con la originalidad, adaptando cada elemento a la idea específica que quiero comunicar. El resultado es un diseño único adaptado, sin perder autenticidad.

¿Te enfrentaste a algún reto durante el proceso de diseño? ¿Cómo los superaste, especialmente dentro del marco de Canva?

A mitad del proyecto me quedé totalmente en blanco. No se me ocurrían ideas que realmente me convencieran, y aunque intentaba buscar inspiración por todas partes, nada terminaba de funcionar. Fue frustrante, sobre todo porque tenía una cuenta regresiva para presentar el diseño al concurso.

Sin embargo, entendí que los bloqueos son parte natural del proceso creativo. En lugar de forzarme a seguir trabajando sin resultados, decidí darme un respiro, aunque fuera solo por un día. Salí a dar un paseo, pasé tiempo con mis amigas y desconecté por completo. Al día siguiente, volví con la mente más clara y las ideas empezaron a fluir de nuevo.

Aprendí que, a veces, lo más productivo que uno puede hacer es cuidarse y tomarse una pausa. El descanso también es una herramienta muy importante en el proceso creativo, y me permitió volver a coger el proyecto con energía y enfoque para terminarlo con ganas.

¿Qué herramientas o funciones de Canva utilizaste más en tu diseño ganador y por qué? (Por ejemplo, kit de marca, redimensionamiento mágico, animación, etc.)

Las herramientas que más utilicé en mi diseño ganador fueron “Duotone” y “Quita fondos”.

Duotone me permitió modificar los colores de imágenes y de los elementos para adaptarlos a la idea que había definido, de esa forma podía unificarlos de forma coherente, sin necesidad de tener que usar otros recursos que no se ajustaran tan bien. Es una herramienta muy útil cuando buscas mantener cierta consistencia en tu diseño.

Por otro lado, la herramienta de Quita fondos fue clave para poder trabajar con imágenes que no tenían fondo transparente. Al eliminar el fondo, pude integrar esos elementos de manera más libre y creativa en distintas composiciones, creando diseños más limpios y dinámicos.

Ambas funciones me dieron flexibilidad para personalizar recursos y ajustarlos exactamente a lo que necesitaba, sin tener que salir de Canva.

¿A quién va dirigido tu diseño y cómo adaptaste tus elecciones para conectar con ellos de forma eficaz?

Mi diseño está dirigido a diferentes tipos de audiencias, ya que cada cartel responde a una marca específica y busca conectar con su público de manera directa y significativa. En cada caso, adapté los distintos elementos para lograr una comunicación acorde a la imagen de cada marca:

- NIVEA: El cartel está dirigido a personas interesadas en el cuidado nocturno de la piel. Partí de una pregunta sencilla: ¿Qué asociamos con la noche? La respuesta fue inmediata: la luna. Ese fue el punto de partida para convertirla en el elemento central del diseño, conectando simbólicamente el concepto de la noche con el producto. El eslogan “Overnight care. Long-term results” refuerza la idea de que una rutina nocturna constante da frutos a largo plazo. Para contextualizar el mensaje, elegí un mockup en una estación de metro, ese sitio por donde muchos pasan al acabar el día, un guiño visual justo cuando el ritmo baja y toca pensar en uno mismo.

- STARBUCKS: Para la composición de este cartel, me inspiré en ese instante del día en el que más valoro una buena taza de café: la pausa en medio de la jornada. A partir de ahí, nació la frase: "Time for a coffee break?", que resume a la perfección esa sensación de estar esperando un pequeño respiro. Para representarlo visualmente, incluí un reloj de muñeca, símbolo del gesto cotidiano de revisar la hora mientras esperamos algo que nos entusiasma. El mockup lo ubiqué en una calle muy transitada, donde el público objetivo —trabajadores y estudiantes— pudiera verlo en medio del ajetreo, y así funcionara como un guiño visual que invitase a parar y disfrutar de ese café pendiente.

- HELIOCARE: Como ya he mecnionado, durante el proceso creativo tuve un gran bloqueo, así que decidí salir a dar un paseo para despejarme. Fue justo ahí cuando llegó la inspiración. El sol no dejaba de molestarme y pensé: “Si tan solo me hubiera puesto crema solar…” ¡Eureka! Tercera idea: promocionar una crema de protección solar. Ahora que empieza a asomar el verano, es esencial cuidar nuestra piel. No hay nada peor que quemarte y pasar días con molestias por no haberte protegido. De ahí nació el slogan: “Let the sun kiss, not mark”. Quería que la imagen fuese directa: solo la textura de la piel enrojecida y con manchas por el sol. Para reforzarlo, diseñé un mockup sobre una superficie de carteles desgastados, creando un paralelismo visual con la piel quemada y pelada. Una textura que no solo ilustra, sino que advierte.

- McDONALD’S: Después de un largo día y un eterno camino de vuelta a casa, lo último que apetece es pensar en la cena. De ahí nació el slogan: “Long drive home? Let us take care of dinner”. Coloqué las hamburguesas en las ruedas de un coche que tal vez os suene (el del logo del McAutp) y transformé la “M” de McDonald’s en una carretera, representando ese trayecto de regreso a casa. Además, posicioné el mockup en una calle concurrida, pensando en los conductores cansados que lo verían, conectando con ese deseo de dejar que “otro” se encargue de la cena.

- GILLETTE: Esta vez decidí empezar por la imagen en lugar del slogan. Tras darle muchas vueltas, encontré la solución en una pelota de tenis: su línea natural me permitió simular el afeitado y, además, abría la puerta a una posible serie deportiva para la marca. El eslogan fue lo más difícil. ¿Cómo unir deporte y depilación? Con una palabra clave: precisión. Así nació: “Master the precision. Ace your shave.” El mockup lo coloqué a las afueras de centros deportivos. Así, la asociación entre el afeitado de precisión y el deporte refuerza la conexión de la marca con el rendimiento, la disciplina y el cuidado personal
KITKAT: Tomé como punto de partida su icónico eslogan “Have a break, have a KitKat”, y me pregunté: ¿de qué necesito un respiro hoy en día? La respuesta fue clara: de las redes sociales. Así nació la frase: “Have a break from social media. Have a KitKat.” El mockup lo coloqué en una marquesina de autobús, ese lugar donde todos esperamos pegados al móvil. Quería que este cartel interrumpiera ese scroll infinito y, de paso, conectara emocionalmente con la audiencia.

Cada diseño está hecho para un público distinto, y tanto el mensaje como los elementos que lo componen fueron adaptados para conectar con sus necesidades y emociones.

¿Cómo te aseguras de que tus diseños sigan siendo creativos y funcionales, especialmente para los clientes o para casos de uso reales?

Para mí, la clave está en conectar con la parte emocional del público. Siempre intento partir de una idea o sensación con la que cualquiera pueda identificarse: todos queremos cuidar nuestra piel, hacer una pausa en los días más ajetreados, protegernos del sol en verano, evitar pensar en la cena tras una jornada agotadora, mantener una buena higiene personal o incluso desconectar un rato de las redes sociales.

Es en esos momentos cotidianos donde encuentro los mejores puntos de partida. A partir de ahí, construyo diseños que no solo sean visualmente atractivos, sino que también comuniquen algo real, humano y cercano. Esa conexión emocional es lo que permite que un diseño funcione tanto en campañas reales como en proyectos personales.

¿Cuál es tu proceso cuando empiezas un nuevo diseño en Canva, desde la idea hasta la exportación final?

Mi proceso parte siempre de una idea inicial, aunque aún esté muy poco desarrollada. Lo importante es empezar, probar y experimentar. Muchas veces las ideas se van afinando solas o incluso evolucionan hacia otras mejores.

Una vez tengo la idea base, pienso en el soporte donde se va a utilizar el diseño (redes sociales, cartelería, publicidad exterior, etc.) y creo el lienzo con las dimensiones adecuadas. A partir de ahí, comienzo a mover elementos, probar composiciones y jugar con tipografías, colores y jerarquías visuales hasta dar con una estructura que funcione.

El secreto está en no tener miedo a equivocarse. A veces, la solución llega en cinco minutos; otras, en el intento número cien. Lo importante es mantenerse abierto al cambio y no rendirse. Si una idea no termina de funcionar, es porque probablemente está abriendo paso a otra mejor.

Para finalizar, exporto el diseño en el formato más adecuado según su uso: PNG si necesito máxima calidad, JPG para archivos más ligeros o PDF si se va a imprimir. Canva facilita mucho este proceso, lo que me permite enfocarme más en la parte creativa.

¿Cómo ha influido Canva en tu crecimiento como diseñador? ¿Dirías que ha cambiado tu forma de abordar el diseño gráfico?

Canva ha sido fundamental en mi crecimiento como diseñadora porque no solo es una herramienta accesible, sino que también es muy intuitiva. Cuando empecé a usarla, no tenía experiencia ni conocimientos avanzados en diseño, pero aprendí a usarlo explorando y experimentando con todos los recursos que ofrece.

Cada vez que tenía un evento importante, aprovechaba para darle mi toque personal: diseñaba invitaciones, creaba juegos o preparaba las instrucciones gráficas. Esto no solo me ayudaba a entretenerme, sino que también me permitió practicar y mejorar mis habilidades constantemente.

En definitiva, Canva ha cambiado mi forma de abordar el diseño gráfico, ya que me permitió experimentar sin miedo a equivocarse.

¿Qué significa para ti y para tu trayectoria creativa haber ganado este concurso? ¿Cuáles son tus próximos pasos u objetivos futuros como diseñador?

Ganar este concurso significa para mí un gran impulso y motivación para seguir creando y aprendiendo. Nunca me había planteado participar en un concurso de diseño, y mucho menos ganarlo, por lo que esta experiencia me ha enseñado que nunca hay que decir nunca.

A partir de aquí, mi objetivo es continuar mi formación a través de cursos y prácticas constantes para seguir creciendo como diseñadora y así poder afrontar proyectos cada vez más complejos y desafiantes.

¿Te ha inspirado la historia de Elenomeleno? Entonces es tu turno. Explora, juega, diseña y atrévete a compartir tu visión con el mundo. Los concursos de Canva están pensados para creativos de todos los niveles. ¡Quién sabe! Tal vez el próximo proyecto ganador sea el tuyo.
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